El rey del rock y su influencia en la Historia

thCA07HW0GElvis Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, Misisipi. Sus padres eran Vernon Elvis (en ese momento, de 18 años de edad) y Gladys Love Presley (de 22 años de edad).En su shotgun house de dos habitaciones, construida por su padre antes de su nacimiento. Jesse Garon Presley, su hermano gemelo, nació muerto 35 minutos antes que él. Como hijo único, estableció una relación fuerte con sus padres, especialmente con su madre. La familia solía asistír a la Asamblea de Dios, una iglesia del movimiento protestante, donde halló su primera inspiración musical.

La ascendencia de Presley es una mezcla del oeste europeo: del lado de su madre, era escocés e irlandés, con algo de franco-normando; además, una de las tatarabuelas de Gladys era cheroqui. Los antepasados de su padre tenían origen escocés y alemán. Gladys era considerada por parientes y amigos como el miembro dominante de la pequeña familia. Vernon pasaba de un trabajo excéntrico a otro, muestra de suelvispresley escasa ambición. La familia dependía normalmente de la ayuda de vecinos y del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de que se hallara a Vernon culpable de alterar un cheque escrito por el dueño del terreno, hecho que le costó ocho meses de prisión, por lo que Elvis y Gladys tuvieron que mudarse a vivir a casa de unos parientes.

«El consumo de drogas prescritas estuvo fuertemente implicado» en la muerte de Presley, escribe Guralnick.

«Nadie descartó la posibilidad de un choque anafiláctico provocado por las píldoras de codeína… a las cuales se sabía que tenía una alergia leve».

Un par de informes de laboratorio presentados dos meses después sugirieron que la polimedicación había sido la causa principal de su muerte; uno de ellos reportó «catorce drogas en el cuerpo de Elvis, diez en cantidad significativa». El historiador forense y patólogo Michael Baden considera que la situación es complicada: «Elvis había tenido una cardiomegalia durante mucho tiempo. Esto, junto con su adicción a las drogas, causó su muerte. Pero fue difícil de diagnosticar; fue una llamada a juicio».

La competencia y la ética de dos de los profesionales médicos involucrados se cuestionaron seriamente. Antes de que la autopsia se completara y de que se conocieran los resultados del estudio toxicológico, el Dr. Jerry Francisco declaró la arritmia como la causa de muerte, una condición que puede determinarse sólo en alguien que todavía está vivo. Las acusaciones de encubrimiento pasaron a generalizarse.Mientras que al médico principal de Presley, el Dr. Nichopoulos, se le exoneró de responsabilidad penal por el fallecimiento del cantante, los hechos se mostraron a sí mismos como sorprendentes:

«en sólo los primeros ocho meses de 1977 tenía [prescritas] más de 10 000 dosis de sedantes, anfetaminas y estupefacientes: todo a nombre de Elvis.»

Su licencia se le suspendió poco después por tres meses. En la década de 1990 finalmente se le revocó de forma permanente después de que la Junta Médica de Tennessee presentara nuevos cargos.thCABKD25G

En 1994, la autopsia de Presley se examinó de nueva cuenta. El Dr. Joseph Davis declaró: «no hay nada en cualquiera de los datos que apoye una muerte por sobredosis. De hecho, todo apunta a un ataque cardíaco súbito y violento».Ya sea que la intoxicación por medicamentos fuera o no la causante de su fallecimiento, no hay duda de que la polimedicación contribuyó a la muerte prematura de Presley

¿Qué hace que el jazz sea jazz? El blues del final del Oeste

Un niño de unos siete años empuja una desvalijada carretilla de madera por el barrio de prostitutas de Nueva Orleans. En ella, lleva carbón que reparte por todos los salones, burdeles y tabernas. Sopla una larga corneta de hojalata para anunciar su presencia. Algunas meretrices le conocen y le saludan con una especie de instinto maternal. Little dippermouth!, «pequeño boca grande», le llaman cariñosamente debido a su apariencia menuda y a su descomunal sonrisa, que nunca parece perder a pesar de que la situación no es la más apropiada para una criatura de esa edad. De cuando en cuando, ese niño sonriente asoma la cabeza entre las cortinas de los lupanares y escucha una música diferente, mágica y excitante. Una música que se está forjando a golpe de sexo y alcohol, de corneta y de piano. Escucha un ritmo contagioso y vibrante que le atrapa, le transporta y le hace soñar. Cierra los ojos y se imagina tocando por todo el mundo su artesanal trompetilla de hojalata. Ese niño —aunque todavía no lo sabe— se coronará como la figura clave en la evolución del nuevo estilo, el que codifica y asimila todo lo que ha pasado antes para marcar el camino de lo que será el lenguaje de la música jazz y convertirlo en una forma de expresión artística universal.

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¿De dónde viene el jazz? ¿Cómo se genera? ¿Es posible que un niño de siete años sea el creador de uno de los sonidos más influyentes del siglo XX? Yendo más allá… ¿Qué hace que un estilo sea ese estilo y no otro? ¿Cuáles son sus elementos definitorios? ¿Cómo se forman y evolucionan? ¿Cómo distinguirlos? ¿Quién lo establece? En definitiva, ¿qué hace que el jazz sea jazz? No es fácil la respuesta, ya que las fronteras entre estilos, a menudo, son livianas. No hay una línea divisoria —tampoco estilística o temporal— que dilucide con claridad el jazz, el ragtime, el blues o los espirituales, por ejemplo; esa amalgama de ritmos que sonaban en los Estados Unidos a principios del siglo pasado. Aunque cada uno de ellos tiene su propia personalidad, la historia pone de manifiesto que no siempre resulta tan evidente separarlos en la práctica. Y eso que la teoría, en principio, no admite dudas. Luego están las mezclas de estilos: otro cantar… De hecho, el jazz surge de esa mezcla. Pero si hay un rasgo característico, ineludible, decisivo y determinante que distingue al jazz de otros estilos, ese es la improvisación. Tanto en su vertiente colectiva, asociada al estilo de Nueva Orleans, como en los desarrollos solistas posteriores.

Y allí apareció Armstrong, en el Happy Rhone Club de Harlem para un primer ensayo, con su habitual aspecto de campesino, sintiéndose como el muchacho nuevo al que todo el mundo miraba.

El blues del final de Oeste

La introducción de trompeta, en una cadencia libre, dura tan solo 12 segundos. Sintetiza el estilo íntegro de Armstrong y su contribución al lenguaje jazzístico. Posiblemente sean los 12 segundos más imitados de la historia del jazz. Entra la banda. La trompeta esboza la melodía entre estremecedores vibratos que ponen la piel de gallina, después un solo de trombón, luego el clarinete al que responde la voz de Armstrong a modo de canon. A continuación Earl Hines despliega su asombroso estilo de piano trompeta. La coda final se la reparten entre Armstrong y Hines. El tono cálido, el ataque, la confianza y el control del instrumento nos muestran a un artista que se encuentra en el momento determinante de su carrera. Constituye uno de los mejores ejemplos de la capacidad de Armstrong para manejar el tiempo. Nada se toca del mismo modo dos veces.

Opinión del lector en La Columna

Carta de la semana

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He acabado con lágrimas en los ojos al leer el artículo del señor Báez ¿Es el White Album el mejor disco de los Beatles?. Por pena. Porque yo tengo 59 años y he vivido este álbum desde siempre y ha formado parte de mi banda sonora. Aunque me creo que sé mucho de los Beatles, siempre me queda algo por descubrir y hoy he conocido algo nuevo. Mi mayor disgusto es que no se eduque musicalmente a los jóvenes, la Historia de The Beatles es historia viva de una gran generación y una época muy distinguida de nuestra vida moderna. Un saludo y felicidades

José L. Quintana. Málaga
Louis hace que el jazz sea jazz

Hola!
Enhorabuena por el sensacional articulo  ¿Qué hace que el jazz sea jazz?
Una precisión, el instrumento que tocaba Louis durante aquella época era la corneta. Las grabaciones de Louis Armstrong con los Hot Five & Hot Sevens constituyeron para mí toda una sorpresa en su momento, pues sólo conocía al genial trompetista por sus interpretaciones más comerciales y cercanas al pop (What a wonderful world, por ejemplo).Aqui teneis la autobiografía de LOUIS ARMSTRONG -MY LIFE IN NEW ORLEANS – que abarca los primeros 24 años de su vida (en el mismo sitio -iberlibro- queda alguna versión en castellano-MI VIDA EN NUEVA ORLEANS – pero muy cara): http://www.iberlibro.com/servlet/SearchResults?an=LOUIS+ARMSTRONG&kn=MY+LIFE+IN+NEW+ORLEANS&sts=t&x=76&y=8

Eduardo Tolosa. Bilbao

¿Es el White Album el mejor disco de los Beatles?

La pregunta en sí, capciosa, encierra una trampa y carece de sentido. Todos los discos de los Beatles son el mejor disco de los Beatles, por lo menos para alguien: siempre habrá algún acérrimo fan que defenderá hasta la muerte el disco X como el mejor disco de los Beatles, porque para él tiene un significado especial. Con eso basta. No hay que buscar más justificación. Además mejor o peor son términos que no se deberían aplicar a los Beatles. No les hace justicia. Aunque la música, como sabemos, sea una disciplina subjetiva, emocional e impulsiva, y los Beatles, el campo de batalla más feroz de las subjetividades, tanto a favor como en contra. Porque con los Beatles pasa algo que no ocurre con ningún otro grupo más de la historia: hasta sus máximos detractores se tienen que rendir ante la evidencia para reconocer la importancia y el legado universal de los cuatro de Liverpool. La música de los Beatles ha llegado a todos los confines del mundo y ha influido a generaciones enteras —abuelos, padres, hijos—, a músicos de diversas procedencias, lenguas y religiones, hay un sinfín de discos tributo a los Beatles en clave de salsa, de jazz, de música clásica, de reggae, de soul, de rumba (or mai lovin lailo lailo la)… de cualquier estilo y vertiente que uno pudiera imaginar. Todo ritmo, melodía o letra beatle es material sensible, susceptible de ser adaptado. Han inspirado libros, películas, obras de teatro, anuncios… Posiblemente haya pocas canciones de los Beatles que no hayan sido versionadas por alguien. Muy pocos grupos pueden decir eso de su catálogo. La beatlemanía fue el preludio de la globalización. Ya lo dijo Lennon: «Somos más grandes que Jesucristo». Sensibilidades religiosas aparte, no le faltaba razón, aunque tal afirmación no le salvase de la quema. Literal. En Estados Unidos grupos conservadores empezaron a quemar discos de los Beatles como represalia. En el fondo sabían que en el siglo XX (aún en el XXI) la figura de los Beatles lucía más fuerte y brillante que cualquier otro líder generacional. Por eso es capaz de ensombrecer cualquier crepitar de llamas; por eso los Beatles despiertan pasiones tan dispares. Es tan fácil odiarlos como amarlos.

DISCO 1: de las chicas ucranianas a la criatura del océano

DISCO 2: cumpleaños, revolución y buenas noches

 

¡Cuéntanos tu opinión! ¿Crees que es el mejor álbum de los británicos? ¿Con qué tema te quedas?

A Love Supreme: el Evangelio según John Coltrane

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Hablar de A love supreme es hablar no solamente de un disco, sino de toda una experiencia que va más allá de la música, que tiene un trasfondo espiritual sin el que resultaría imposible entender lo que sin duda es una de las obras cumbres del jazz. Quien piense que un disco de jazz instrumental se limita a ejercicios estrictamente musicales, a acordes y escalas, debería sumergirse a fondo en esta obra para descubrir que un disco de jazzpuede ser tan complejo intelectual, emocional y espiritualmente hablando como una película o incluso como un libro.

La música de John Coltrane no siempre es la más fácil o asequible, especialmente para quien no esté nada familiarizado con su discografía. Pasar de un álbum de Coltrane a otro es como cambiar de la noche al día, especialmente en el trabajo de sus últimos años. Incluso considerando que su carrera en solitario fue desgraciadamente breve, Coltrane fue derivando mucho en su estilo, una deriva tanto más veloz cuanto más nos acercamos al momento de su temprana muerte. Esta evolución resulta incluso más fascinante en cuanto notamos que lo estrictamente musical —sí, incluso las escalas y los acordes— se veía directamente afectado por la evolución espiritual e intelectual estrictamente extramusical de su autor.

El estilo del Coltrane de los primeros años, cuando todavía tocaba en bandas ajenas, tomó forma gracias al be bopde los años cuarenta: cuando escuchó a Charlie Parker su mundo dio un vuelco y la enorme influencia de Parker siempre estuvo presente durante aquellos primeros años. A esa influencia se le sumó, durante la década de los cincuenta, el trabajo codo a codo con monstruos del calibre de Miles Davis y Thelonius Monk. En aquella década el be bop ya no era la vanguardia, sino un paradigma bien asumido y establecido, así qie Coltrane comenzó a abrirse a distintas influencias, a investigar, a leer, a apreciar músicas más allá del jazz y más allá de la música norteamericana. Se preocupó por conocer músicas del mundo, muy particularmente los sonidos africanos y asiáticos.

Con la llegada de los años sesenta, muchos jazzmen comenzaron a experimentar buscando nuevos caminos y Coltrane no fue ajeno a esta tendencia. El revolucionario cambio de década coincidió con su lanzamiento como artista en solitario: en sus últimos seis o siete años de vida pasó de interpretar un jazz más o menos cercano a la convención a realizar algunas grabaciones de vanguardia extrema que incluso dejaban perplejos a los músicos que trabajaban con él y que nosotros, mortales, jamás podríamos comprender lo suficiente como para estar seguros de si tienen algún sentido y si Coltrane había alcanzado nuevos estados de consciencia musical, o si sencillamente había perdido el norte en lo afanoso de su búsqueda. Quien se haya enfrentado a un disco comoAscension sabrá a lo que me refiero: es difícil afirmar sinceramente que uno ha disfrutado con todo el contenido de ese álbum, incluso habiéndolo intentado repetidamente. Hay gente que afirma disfrutarlo, es cierto, pero no es mi caso y puedo suponer con bastante tranquilidad que es el caso del 99% de la gente. El Coltrane de los años sesenta abrió tanto su abanico de sonidos que por momentos llega a resultar completamente desconcertante.

Pero A love supreme, producido justo a mitad de aquella década, es una cosa completamente distinta. Editado en 1965, un año antes del mencionado Ascension y dos años antes de su muerte, muestra a un Coltrane que no pone el afán vanguardista por encima de todo. A love supreme no es un mero experimento musical sino que se supedita a la transmisión de un mensaje directo, un mensaje extramusical, un mensaje espiritual. Al contrario que locuras como AscensionA love supreme está dentro de los límites de lo que casi cualquier oyente puede comprender a poco que preste atención. De hecho existe un consenso bastante amplio en que A love supreme es una obra maestra absoluta. Fue grabado en un punto justo de ebullición de la evolución musical de Coltrane. Dividido en cuatro movimientos —como un concerto clásico— está en realidad bastante cercano a la ortodoxia, al menos contemplado desde hoy. En este disco Coltrane se preocupa menos de los ejercicios de virtuosismo interpretativo o de los experimento sintelectualizados, y más de la composición, de la estructura de la obra en sí. Probablemente sea este su álbum más redondo como obra de conjunto.

61 millones de euros en festivales

Los tres festivales musicales más importantes que se celebran durante el verano en la provincia de Castellón, el FIB, el Arenal Sound y el Rototom Sunsplash, han supuesto un impacto económico de 61 millones de euros, superando los 51,7 millones de 2012, y han creado un total de 7.400 empleos, según datos facilitados por el Patronato Provincial de Turismo.

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El Festival Internacional de Benicássim (FIB), que se celebró del 18 al 21 de julio, tuvo una repercusión económica de 18 millones de euros, dos menos que en 2012, y generó 1.000 empleos directos y 2.000 indirectos. Al evento asistieron 140.000 personas, 20.000 menos que el año anterior, de las que el 60 por ciento procedía de Reino Unido, el 30 por ciento de España y el resto de otros lugares. Para cubrir el evento musical se acreditaron 600 periodistas y durante su celebración la ocupación hotelera en Benicàssim y Castellón alcanzó el 95 por ciento. En 2014 se celebra el 20 aniversario del festival.

El Rototom Sunsplash, que tuvo lugar entre el 17 y el 24 de agosto en Benicàssim, consiguió la asistencia de 240.000 personas procedentes de 68 países de todo el mundo, lo que supuso una cifra récord; tuvo una repercusión económica de 14 millones de euros, dos más que en 2012; y creó 3.500 empleos. En el evento hubo 430 periodistas acreditados y más de 200.000 personas siguieron las retransmisiones del festival a través de Internet. La próxima edición se celebrará entre el 16 y el 23 de agosto de 2014.

Finalmente, el Arenal Sound, que se celebró entre el 1 y el 4 de agosto en Burriana, ha tenido una repercusión económica de 29 millones de euros (9,3 más que en 2012) y ha contado con 320.000 asistentes -60.000 diarios y 40.000 cada día de los dos previos al festival-, de los que el 91 por ciento eran españoles y el resto extranjeros. Este evento ha creado 900 empleos. Este certamen ha batido récord de presencia en redes sociales, con 376.000 seguidores en Facebook o 50.000 en Twitter, convirtiéndose en el festival en España que más actividad registra en Internet. La  próxima edición se llevará a cabo entre el 31 de julio y el 3 de agosto de 2014.

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La primera jornada del Arenal Sound ha estado marcada por el multitudinario público joven que ha inundado la playa de Burriana y ha bailado frenéticamente con los ritmos de La Pegatina, Lori Meyers y Fuel Fandango. Sin embargo, el principal reclamo de esta noche para miles de asistentes ha sido la actuación del DJ estadounidense Steve Aoki. Muchos han aguantado en el camping hasta bien entrada la madrugada o haciendo “botellón” en las inmediaciones del recinto hasta que los ritmos de la noche se volvieran más hacia lo electrónico en detrimento del pop.El punto más “indie” de la noche lo han puesto La Habitación Roja, con su actuación para los más entrados en años de entre el público, White Lies, Editors y We Are Standard. La jornada ha arrancado con la actuación de Izal, que aunque no ha contado con demasiado público por el calor y la hora temprana, han hecho gala sobre las tablas de la calidad de este proyecto musical autogestionado.

Tras ellos, Delafé y las Flores Azules han cambiado el ritmo con Helena Miquel y con un Oscar D’Aniello que se ha autodefinido como una “especie de rapero indie”. Ha hecho falta que Lori Meyers haya saltado al escenario para que los “sounders” acudieran al recinto para degustar los nuevos temas de “Impronta” y los grandes himnos de la banda, ya una habitual en el Arenal Sound. La sorpresa la han dado cuando la cantante Anni B Sweet, que el año pasado actuó en el festival, ha saltado al escenario para interpretar junto a la banda “El tiempo pasará”.

30 años y nunca nos cansaremos…

Canciones, canciones, canciones…

ep005089Tres generaciones de canciones por tres decenios de música. En el álbum aparecen textos de diferentes personas que comentan la obra, la personalidad y el impacto de la obra de Pedro Guerra. Ahí están Daniel Rabinovich, de Les Luthiers (“Y su mirada brillante sigue sorprendiéndome como entonces”), Iñaki Gabilondo (“Como es bien sabido, Pedro Guerra canta solo para mí”), Andreu Buenafuente (“Pero, de repente, Pedro Guerra coge la guitarra y captura el tiempo. Y se convierte en alguien especial”), Enrique Vila-Matas (“Escuchar a Pedro Guerra como hago desde hace tantos años equivale a saber que el planeta es un mundo abierto para los que se desplazan”), Juan Diego Botto (“La primera vez que escuché Huesos lloré. Era como mezclar a Juan Gelman con César Vallejo. Hoy aún me emociono al escucharla”), Ismael Serrano (“Un muchacho de Güimar que abría todas las ventanas, tendía sábanas blancas, nos enseñaba a cantar”), Juan Cruz Ruiz (“El tiempo lo ha acompañado con la dignidad de la música”), Fernando González Lucini (“Consiguió, de alguna forma, darle un aire limpio y renovado a la canción popular”), Silvio Rodríguez (“Gracias por tu exigencia propia”), Víctor Manuel (“Le invitamos a cantar durante la grabación en el Palacio de los Deportes de Gijón. Canta Dibujos animados y los diez mil, boquiabiertos, se lo comen”), Benjamín Prado (“Yo sólo me fío de las canciones que me engañan; las que al pasar de largo te llevan con ellas; las que me atacan por la espalda; las que cortan a traición como un cuchillo de cocina; las que me apuntan a los pies y me dan en la cabeza… Todas las que prefiero de Pedro Guerra son así. Y son muchas. Y están aquí”)… Y también escriben Soledad Gallego-Díaz, y Carlos García Gual, y Juan Luis Arsuaga…

Palabras que son un reflejo de la capacidad de las canciones de Pedro Guerra para formar parte de la vida de las personas. Canciones que llegan de álbumes como Golosinas (1995), Tan cerca de mí (1997), Raíz (1998), la banda sonora de Mararía (1998), Ofrenda (2001), Hijas de Eva (2002), La palabra en el aire con Ángel González (2003), Bolsillos (2004), el DVD De Golosinas a Bolsillos (2005), Vidas (2008), el CD+DVD Vidas en vivo (2009), Alma mía Versiones Vol. 1 (2009), Contigo en la distancia Versiones Vol. 2 (2009) y El mono espabilado (2011).

Fue en 1983 cuando Pedro Guerra comenzó su carrera, cofundando en 1985 el colectivo Taller Canario con Andrés Molina, Rogelio Botanz y Marisa Delgado. Han pasado 30 años y la figura de Pedro Guerra con su guitarra ya forma parte de nuestra memoria y de nuestra realidad cotidiana. Sus canciones han marcado a más de una generación y muchas aparecen en el álbum 30 Años con la misma esencia con que nacieron, con el mismo aliento, con la misma capacidad de emocionar. A voz y guitarra. Porque como dice Pedro Guerra, “lo importante es ser capaz de hacer una canción que pueda ser cantada con una guitarra, en cercanía, sin artilugios. Nuestro género, nuestro estilo, es así. Lo demás son añadidos”.

“Actuar solo con mi guitarra es perfecto porque te permite cantar cada día lo que quieres de tu repertorio, de las canciones escritas desde que comencé en el año 1983, cuando debuté en Tenerife”.

En esta gira, prosigue, “compuse canciones nuevas y rescaté del pasado. Grabé en diferentes conciertos, en diferentes ciudades y países: España, Costa Rica, Colombia, Puerto Rico, Bolivia, Venezuela, Estados Unidos, en auditorios en los que había 900 personas o 200”, concluye.

descargaPara el músico, “el criterio de elección de los temas ha sido que cada uno de los tres discos pueda escucharse con sentido de obra cerrada, independiente de los otros dos. Son como tres conciertos, uno en cada CD”. “Hay seis canciones nuevas“, añade. Se trata de ‘El país de los desempleados’, ‘Casandra’, ‘Cuna vacía’, ‘Morir contigo’, ‘El viaje’ y ‘Mar de Mármara’.

Otros temas incluidos en el triple CD tienen un significado muy especial: “‘Zapato roto’ parece nueva
pero tiene 25 años; ‘La lluvia de mis botas’ también fue grabada en aquellos años, al igual que ‘Cathaysa’ que fue mi primera canción, la compuse a los 14 años con letra de mi padre y la grabé con Taller Canario”, explica Pedro. “Todas conviven en un proyecto común y la esencia es la misma, desde ‘Cathaysa’ a ‘Casandra’, treinta años después”, apostilla el cantautor.

¿Estuviste en alguno de los conciertos de la gira de Pedro? Cuéntanos tu experiencia en un comentario, estaremos encantados de disfrutar de tus palabras.